CIRCO LAMPARELLI

Un’arte: quella di guardare il mondo e catturare il bello che altrimenti sfuggirebbe inarrestabile, come sempre, per la distrazione, per la fretta, nell’alienato camminare in cui spesso ci perdiamo.

Un nome: Giuseppe Tangorra, un fotografo.

«Se mi chiami fotografo, intendi che sono arrivato all’apice, quel punto di arrivo oltre il quale non si può andare. Se mi sentissi fotografo, non avrei più niente da cercare», mi dice. Seduti al tavolo del bar di un paese non nostro, sorrido a sentir parlare di apici e non-definizioni: vagamente mi ricordano qualcuno, e più d’uno. «Come ti definisci, allora?». «Mi definisco nel modo più brutto: un ragazzo con la macchina fotografica».

Intanto il prossimo 14 Luglio Giuseppe Tangorra inaugurerà la sua nuova mostra, esponendo gli scatti di Capurso che lavora. Un progetto artistico che, nato a Benevento e per Benevento, è stato reso difficile dalla vastità della città. Ma ci vuol poco perché torni fuori dal cassetto: una sera, un giro in auto per le strade di sempre, il desiderio di far qualcosa per il proprio paese. L’obiettivo è la valorizzazione dell’altrui lavoro attraverso il filtro della macchina fotografica.

«Per il piacere di dare e restituire piacere a chi lavora, in un momento di grosse difficoltà che ben conosciamo», precisa Giuseppe Tangorra. Si tratta, come mi spiega subito dopo, anche e soprattutto di regalare un momento storico alla memoria del tempo del proprio paese. «Molte attività da qui a dieci anni non ci saranno più, se ne perderà traccia perché non vi è chi possa continuare la tradizione dei piccoli artigiani. Guardando questi scatti si potrà vedere la Capurso che siamo oggi e che eravamo domani, con i nomignoli e i soprannomi che molti commercianti hanno, per la tradizione e per la familiarità proprie dei piccoli centri. Quelle piccole cose che rimangono solo nelle cittadine. Siamo da invidiare».

Capurso che lavora è il prossimo di molti progetti artistici già esposti in mostra, molti dei quali si possono ammirare e apprezzare tramite il sito internet.

La fotografia di Giuseppe Tangorra è quella di chi ha la passione innata e scoperta grazie a una semiautomatica lasciata in giro per casa e al desiderio di sentire quel click tanto affascinante e appagante. Il suo viaggiare lavorando, come ama definirlo, ha poi trasformato questa passione in mestiere, e il mestierante in un professionista sempre più competente.

È, la sua, una fotografia che racconta di paesaggi, di volti, di enigmi celati in luoghi-non-luoghi, e dell’abbandono. L’abbandono come difficoltà di comprensione e accettazione cui la condizione di abbandonati induce; una sublimazione del dolore attraverso la forma artistica che meglio parla di sé, che meglio può riconciliare con la parte di sé ferita. La forza propulsiva della bellezza dell’abbandono: questo è alla base del suo primo grande lavoro avviato qualche anno fa. Il suo vero obbiettivo, però, è negli occhi. Gli occhi che ricerca, gli occhi che fotografa o che –volutamente- lascia che gli sfuggano. È, il suo, quasi un fissare eterno dell’immagine colta tra un battito di ciglia e l’altro, tra un passo e l’altro, tra il vivere dinamico e il dinamismo che ci vive intorno. Il bianco/nero predomina e guida, nella lettura dell’immagine catturata e rivelata all’osservatore.

Inevitabile chiedergli perché la scelta del bianco/nero (b/n).

«Perché sono daltonico», mi risponde ridendo. Poi, facendosi serio, racconta: «Non fotografavo in b/n finchè non ho incontrato un grande fotografo che mi ha insegnato tanto, a cui sono molto legato, quasi da un rapporto di fratellanza: Domenico Tattoli (ndr). Un giorno mi disse: il colore crea confusione; il b/n, invece, basandosi su ombre e luci, ti mostra la realtà. Queste sue parole sono state folgoranti per me, mi sono immerso subito nello studio del b/n, delle ombre, delle luci. Ho scoperto così che, se scattavo in b/n, vedevo me stesso nelle foto, quello che ero al momento dello scatto e quello che sono. È per questo che nel mio b/n c’è poco contrasto: cerco di liberarmi dai miei contrasti interiori».

Gli scatti di Giuseppe Tangorra possono essere analogici o digitali, ma -da buon professionista amante del suo mestiere- mi conduce (riportandomi, in verità) nella magia dell’analogico attraverso le parole che usa per descrivere l’emozione del veder nascere la foto, momento dopo momento, nella camera oscura, quel luogo sconosciuto ai più, fatto di acidi, vaschette, tempi di attesa e manovre precise per ogni risultato desiderato o sperato, dove l’immagine si compone sulla carta fotografica bianca istante dopo istante, sfumatura dopo sfumatura. Un luogo dove si imparava a veder nascere l’immagine e dove si temprava la capacità di attendere, di pazientare, e dove molti fotografi ancora fanno vivere e rivivere l’arte della fotografia lontano dalle tecnologie d’avanguardia e dall’immediatezza della camera chiara che il digitale ha edificato.

«Nella camera oscura ci sei veramente e soltanto tu, mentre nella camera chiara ci sei tu attraverso la macchina, è tutto filtrato da interfacce e programmi», sottolinea Giuseppe Tangorra. «Anche per me è un’esperienza nuova e da scoprire passo dopo passo. A introdurmi e affiancarmi nell’acquisizione di competenze e tecniche di sviluppo c’è sempre Domenico Tattoli, grande esperto di fotografia, amico impareggiabile».

Ho voluto sottoporre al nostro fotografo degli spunti di riflessione, in realtà provocazioni.

«Fotografare è riconoscere nello stesso istante e in una frazione di secondo un evento e il rigoroso assetto delle forme percepite con lo sguardo che esprimono e significano tale evento. È porre sulla stessa linea di mira la mente, gli occhi e il cuore. È un modo di vivere», Henri Cartier-Bresson, grande fotografo famoso in tutto il mondo, ha dichiarato ciò. Come commenti?

Emerge un Giuseppe Tangorra concorde con il grande fotografo fondatore della Magnum Photos, l’agenzia fotografica nata nel dopoguerra e divenuta famosa in tutto il mondo per i suoi connotati quasi sovversivi, indubbiamente innovativi e altamente valorizzanti la figura del fotografo professionista, ma solo per quello speciale allineamento di mente, occhi, cuore. Perché subito dopo affiora prepotente il suo essere contrario agli eccessi in generale: non condivide l’essere troppo rigoroso rispetto alla tecnica, «perché altrimenti perdi il vero valore della fotografia, non racconti più alcuna storia, alcuna emozione, alcun evento. Hai guadagnato e preso il bravissimo, ti porti a casa i complimenti, però intanto perdi la poesia della realtà», mi dice forte, animato dall’intensità emotiva che accompagna questo suo pensiero. «Personalmente sono attento al carpe diem della fotografia già visualizzata nella mia mente, piuttosto che a tutti gli elementi della composizione».

«Ricordalo. Ogni cosa che vedi guardando in basso, sulla lastra di vetro della tua Rolleiflex, è la realtà –le cose come sono. La fotografia è ciò che tu deciderai di farne di tutto questo». George Rodger.

«Quello che dichiarò Rodger praticamente nel secolo scorso è verissimo soprattutto oggi, ora che tutti hanno la mania degli scatti fotografici. Dare valore alla realtà è la vera differenza tra un fotografo e un ragazzino che scatta per la condivisione sui social», risponde duro Giuseppe.

Terza provocazione: tu hai un gruppo numeroso e solido con cui organizzi uscite per scatti e progetti, siete numerosi, dei veri professionisti, anche se nella vita alcuni di voi si occupano di tutt’altro, professionalmente parlando. Cconosco le vostre opere, so come lavorate. Se creassi un parallelismo tra voi e quel bel gruppo che mise su la Magnum Photos, come la metteresti?

Ride, accompagnando così il sorriso partito sul mio volto a fine provocazione.

«Più che dei grandi fotografi di Magnum Photos, io parlerei di Amici miei, il film, per tutto quello che combiniamo durante le uscite, in viaggio, durante i sopralluoghi e gli appostamenti per i nostri scatti».

Perdere uno scatto. Perdi uno scatto. Cosa significa, come reagisci, come ti consoli?

«Sono sempre attento a non perdere scatti, ma se lo perdo, è perché non mi sarebbe servito, e non dire che faccio il figo!», ride, si prende e mi prende in giro, poi torna serio, professionale direi. “Mi innervosisco e fumo una sigaretta. Perdere uno scatto, anche uno solo, alle volte può significare perdere una storia intera, perché questo è il potere evocativo di uno scatto fotografico. Uno scatto non realizzato è un reportage mancato. Se sbaglio è perché non sono un fotografo. Ho molto da imparare».

I ritratti, dopo i luoghi dell’abbandono, No man’s land, fanno parte del tuo lavoro, e hai parlato degli occhi che cerchi di fermare attraverso i tuoi ritratti. Credi che gli occhi attraverso la macchina fotografica possano mentire?

Sì. Fotograficamente parlando, siamo in un periodo in cui la foto non mostra più la realtà così come è, ma una realtà illusoria. Oggi possiamo mentire anche con gli occhi. Nel periodo storico in cui viviamo, gli occhi non sono più lo specchio dell’anima. I ragazzi che ci girano intorno si mostrano sicuri di sé,vestono alla moda, frequentano locali e ambienti come fossero viveur, ma cosa c’è dentro loro, dietro i loro sguardi che vogliono sembrare così altisonanti?

Se la fotografia avesse un volto…

«Sarebbe il volto di una lei, una lei che esiste davvero».

E su questa “lei” è meglio non indagare. Perché a brillare particolarmente, ora, sono gli occhi del ragazzo che mi è di fronte, al di là della macchina fotografica. Occhi che non mentono.

A monte del lavoro finale, non ci sono prove, né il flashmob è stato ripetuto più volte per poter selezionare le scene migliori. Ruvo non è diventata un set cinematografico: è stata la scena e insieme la spettatrice stupita e presa in contropiede di una performance inedita e senza eguali.
Daniela Raffaele ha spiegato alle donne cosa voleva che facessero, come dovesse svolgersi la scena, quale successione di azioni e quale sequenza di immagini avrebbero dovuto esserci e quali fossero i messaggi che tramite esse intendeva veicolare.

“Io stessa sono rimasta molto meravigliata dal risultato finale ottenuto. Non avendo avuto prove, temevo che qualche donna non riuscisse a lasciarsi davvero cadere a terra, che qualcuna rimanesse in piedi, o che il silenzio non potesse essere così intenso come invece l’avevo immaginato io nel momento in cui ho concepito l’idea e il soggetto. E poi l’urlo: anche per quello nessuna prova, non pensavo che potesse essere talmente potente e carico del significato che io gli attribuivo nella mia mente. Un conto è immaginarle, le cose; un altro è farle e vedere che riescono esattamente come le si è immaginate”, continua a raccontarmi l’artista performer.

A dare il proprio contributo alla realizzazione del flashmob, sia sulla scena, sia nella fase di preparazione, gli studenti del liceo linguistico Guido D’Arezzo di Ruvo di Puglia e quaranta donne di età compresa tra i quindici e i quarant’anni, tra cui alcune allieve delle scuole di danza Dancing Queen e Micheal Jackson A.S.D. Il maestro di danza di quest’ultima, Valerio Gattulli, ha poi vestito i panni dello stalker. Lo stesso slogan Giù le mani dalle donne è stato scelto all’unanimità dagli alunni del liceo linguistico Guido D’arezzo: fra tre frasi scritte su una lavagna, nessuna esitazione. A dipingere la scritta, poi, solo alunni, a lavorare lì per le loro compagne.

Un’idea, quindi, quella del flashmob, che ha coinvolto una pluralità di soggetti differenti e ha realizzato un dinamismo di energie e collaborazioni, partendo semplicemente dalla volontà di realizzare una performance mettendosi in gioco totalmente e in una nuova forma, quella di performer appunto, una veste che apparirà nuova e inaspettata per chi l’ha sempre conosciuta come pittrice. Ho chiesto a Daniela Raffaele il perché di questa nuova identità.

“Il dare mi fa stare bene”, mi spiega. “Sono stata letteralmente rapita dalla bellezza della frase Ho un dono e ve lo dono, è un messaggio forte e sublime insieme. C’è molta superficialità, se ci guardiamo intorno, a dispetto dell’immagine sociale che vogliamo dare. Per questo ho deciso di mettere l’arte, la mia arte, a disposizione di tutti per denunciare le brutture che ci circondano. È un percorso che mi fa bene e fa bene. Divenendo una performer, non rinnego affatto quello che sono stata fino ad oggi: nasco come Clitorosso e rimarrò sempre Daniela Raffaele Clitorosso. Però ora voglio utilizzare la mia arte per smuovere canali interiori che ci animano dentro, voglio sviscerare nodi che tutti quanti abbiamo. Ognuno ha bisogno di guardarsi dentro, di conoscersi, di prendere forza dentro di sé e andare oltre fino a liberarsi dei lividi dell’animo, delle frustrazioni accumulate nel tempo, delle sofferenze,  per rinascere finalmente a vita nuova.”

Il suo racconto procede spedito, i risvolti di questa decisione si evincono pienamente nel lavoro realizzato. Oltre al suo animo, grazie al suo esporsi, anche altri iniziano a muoversi e smuoversi: è ciò che si deduce quando mi racconta del coinvolgimento emotivo delle donne partecipanti. Molte le hanno dichiarato di essersi immedesimate molto nel ruolo che lei ricopriva, ovvero l’oggetto delle attenzioni e delle violenze dello stalker, immagine rappresentativa dell’uomo che intende controllare e dominare la donna, sottomettendola, abusandone e usandole violenza. Molte di loro, poi, soprattutto le più giovani, le hanno persino confidato di aver vissuto le sue emozioni portate in scena con intensità impressionante. Questo perché loro tutte si sentivano chiamate in causa: direttamente o indirettamente, avevano fatto esperienza di maltrattamenti fisici o psicologici  da parte degli uomini sulle donna, perché gli era sfortunatamente capitato, o perché capitato a una loro amica, a una conoscente. Tutto ciò a dimostrazione del fatto che la solidarietà tra donne nasce dal coraggio della condivisione e si manifesta tramite la sintonia, elementi fondamentali che hanno permesso alla performance un risultato ottimo sin dalla prima battuta. La resa scenica di tutto ciò, della denuncia così come della solidarietà femminile e del reciproco sostegno psicologico, è data dalla stretta di mano delle donne, il loro farsi cerchio che si restringe sempre più attorno allo stalker che esercita la propria violenza sulla donna mascherata, Daniela appunto, dopo che lei ha emesso l’urlo struggente eppure necessario perché qualcosa cambiasse.

La stessa maschera che indossano tutte simboleggia l’essere unite e uguali, indistinte di fronte all’orrore che riguarda alcune ma ci vede tutte coinvolte come identità di genere e identità sociale. L’idea nasce da Daniela Clitorosso Raffaele e coinvolge Michele Pinto, regista di Ruvo. È lui a spiegarmi altri aspetti tecnici e altre rese sceniche proprie di questo flash mob. Michele Pinto sottolinea come esso sia cross-mediale per i due stili di comunicazione adottati. “Il primo è dato dall’uso del flashmob come strumento di mobilitazione sociale sempre più utilizzato; il secondo è dato dal fatto che, per la prima volta in assoluto, il protagonista di una webfiction (Bishonnen, ndr) presti il proprio ruolo ad un progetto di denuncia quale il nostro lavoro è.”  Un lavoro, dunque, che si pone al pubblico con una valenza plurima, sia per i contenuti, sia per il messaggio forte che si apre a molteplici interpretazioni. Perché questo flashmob non dice semplicemente “ci siamo anche noi, con il nostro contributo, nella lotta contro la violenza sulle donne”: no, è di più, molto di più. Denuncia e sensibilizzazione sociale; responsabilità collettiva di fronte al dramma dei singoli; dichiarazione di presenza e attenzione alle realtà che esistono anche se nascoste o omesse;  unità e solidarietà, supporto per chi non sopporta più nel silenzio.

“Le maschere”, spiega Michele Pinto, “hanno qui un uso antropologico, teatrale e metaforico, rappresentano il concetto pirandelliano di Uno, nessuno, centomila. Quelle delle donne sono bianche, candide, a rappresentare l’innocenza rispetto a tanti crimini efferati nei loro confronti; sono tutte uguali perché sottolineano come non vi sia differenza tra le donne, ma solo nelle reazioni degli uomini a certe situazioni. Per il personaggio maschile, invece, ho deciso di ricorrere al protagonista di Bishonnen perché di stalking parla la mia webserie. Ho voluto fortemente che ci fosse un elemento rosso per ogni donna, poi, nello specifico il foulard, in segno di accusa alle restrizioni cui sono sottoposte alcune donne in diversi paesi del mondo.”

La collaborazione artistica tra Daniela Clitorosso Raffaele e Michele Pinto nasce già prima di questo lavoro, con la realizzazione del video Happy. “Il primo realizzato da un piccolo comune, nota bene” sottolineano entrambi, all’unisono. “Tutti gli altri video erano stati girati nelle grandi metropoli” riprendono a raccontarmi, “noi siamo stati gli apripista di quel fenomeno che poi ha investito tutti gli altri paesi. Le riprese son durate una settimana, abbiamo lavorato intensamente e in maniera costruttiva all’interno di una neonata squadra che ha visto protagoniste molte associazioni ruvesi e singoli cittadini.” Una notte insonne per Daniela, il video Happy di Catania in homepage, l’idea, la proposta per realizzarlo a Ruvo di Puglia sbandierata in un post. Il primo a rispondere, Michele Pinto. È fatta. Parte tutto così, come sempre: a caso, ma no per caso.

Subito il video Happy di Ruvo di Puglia diventa un successo mediatico, addirittura internazionale, con molti complimenti che giungono persino dall’America, rendendo omaggio alla bellezza di questo video comparato persino a quello di Amsterdam e che porta il nostro Paese a spopolare sul web per iniziativa e bellezza artistica e architettonica. Il riscontro dall’estero diventa la maggiore gratificazione, perché significa aver fatto un buon lavoro per sé e per tutta Ruvo, che così acquista una notevole visibilità. Ma subito nasce la nuova idea del flash mob. “Perché noi non siamo solo quelli di Happy, noi siamo quelli dell’arte”, butta giù duro Daniela.

E l’arte, si sa, è capace di trasversalità e dinamicità, pluralità di forme e risvolti come solo l’animo umano e la natura possono essere, perché ne è sua manifestazione ed espressione. Non solo: l’arte è anche attribuire significati nuovi a opere già realizzate laddove non ve ne era nemmeno intenzione o consapevolezza. Come nel caso della mia interpretazione delle due figure maschili che srotolano, dal balcone del Palazzo di Città, il telo recante la scritta “Giù le mani dalle donne”. Personalmente vedo in quelle due figure maschili che hanno accettato il ruolo l’emblema del cambiamento. Molto spesso gli uomini, pur condannando gli episodi di violenza sulle donne, non si sono mai espressi o mai esposti per combatterla e per fronteggiare chi la usasse. Questo per restrizioni culturali, ma non solo. In quel gesto voglio vedere il risultato vero dell’emancipazione femminile cominciata come lotta decine di anni fa: ovvero l’essere tutti uguali, indistintamente tutti soggetti sociali da tutelare di fronte al male e agli abusi. Un annientare la diversità uomo/donna per riconoscere il dolore della situazione e tendere la mano a tutela e protezione dell’identità personale quale ogni uomo e ogni donna è. Vedo e voglio vedere tutto ciò, in tutti i contesti del vivere quotidiano.

© Luana Lamparelli 

Intervista pubblicata il 17 Aprile 2014 nella rubrica “Ars Artis”.

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